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| PHYSICAL GRAFFITI por Jorge "Fabel" Pabon |
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Habiendo completado la tercera década de lo que ha sido llamado "cultura hip-hop", mucho aún queda por ser explorado acerca de sus raices, historia, terminología y esencia. El descifrar teorías a partir de hechos es un proceso gradual sin final porque muchos de los recursos están dispersos, y hay muchos enlaces perdidos en las cadenas de la historia. Sin embargo, es seguro decir que hay auténticos hechos, probados por testimonios y evidencias, y mirando la historia del hip hop. Estas certezas, unánimemente vienen de un acuerdo entre los pioneros de esta cultura, debiendo constituir el "hip-hop gospel," mientras que las cuestionables teorías deberían permanecer como notas a pie de página hasta ser probadas como un hecho.
 Para escribir apropiadamente la historia de las formas de baile del hip hop, uno debe tener un viaje dentro y fuera de la ciudad de Nueva York. Aunque las formas de baile asociadas con el hip hop se desarrollaron en New York City, la mitad de ellas (popping y locking) se originaron y desarrollaon en la costa oeste como parte de un movimiento cultural diferente. Muchos de los medios de comunicación en los años 80 agruparon estas formas de baile junto con las formas de baile nativas de Nueva York(b-boying/girling y Brooklyn uprocking), etiquetandolas a todas como "break dancing". Como resultado, la cultura y el movimiento funk de la costa oeste fueron pasados por alto y subestimados y el público ignorantemente acreditó al "hip-hop" como padre de las formas de baile funk. Esto es un ejemplo de desinformación que mina la verdadera esencia de cada forma de baile, asi como sus orígenes y estructura. La finalidad trás estas palabras es explorar el pasado, presente y futuro de estas formas de baile y su contribución a las artes escénicas a nivel mundial.
 Nota: Los hechos de este texto fueron obtenidos a través de conversaciones con y/o apariciones públicas de: Boogaloo Sam, Popin' Pete, Skeeter Rabbit, Sugar Pop, Don Campbellock, Trac 2, Joe-Joe, King Uprock, Kool DJ Herc, Afrika Bambaataa y otros pioneros. La información tambien fue obtenida a traves de varias entrevistas en revistas. A principios de los años 70, la cultura sin nombre conocida hoy como "hip-hop" se estaba formando en los ghettos de New York City. Cada elemento de esta cultura tiene su propia historia y terminología contribuyendo al desarrollo del movimiento cultural. El pulso común que dió vida a todos estos elementos es el ritmo, cláramente demostrado por los ritmos que el DJ selecciona, los movimientos de los bailarines, los patrones de rima de los MC's y el nombre de los escritores o mensaje pintado de una forma artística. La cultura fue indentificada a principios de los años 80 cuando el DJ Afrika Bambaataa nombró el movimiento dinámico urbano "hip-hop." Las palabras, "hip-hop," fueon originalmente usadas por los MCs como parte de un estilo de rimar, por ejemplo: "Hip-Hop ya'll and ya don't stop, rock on, till the break of dawn."
  
Sobre esta época, ciertas palabras callejeras también llegaron a ser títulos de las formas de danza, tales como "rockin'" y "breakin'," usados generalmente, para describir acciones con gran intensidad. Asi uno podría rockear el mic(micrófono) y rockear el suelo de baile, uno podría rockear un partido de baloncesto o rockear alguna ropa molona(vestir de forma impresionante). El termino "break" también tuvo mas de un uso en los años 70. Fue frecuentemente usado como una respuesta a un insulto o reprimenda, por ejemplo, "¿Por qué me estas breakeando?(¿Por qué me estas jodiendo?)" Break fue también una sección de una grabación musical donde los ritmos percutivos eran los mas agresivos y mas duros. Los bailarines se anticipaban y reaccionaban a estos breaks con sus mas impresionantes pasos y movimientos.
 Kool DJ Herc, originario de Jamaica, es reconocido como el que extendió estos breaks usando dos platos, una mesa de mezclas y dos discos iguales. Asi los Djs podían repetir estos ritmos desde un plato a otro, de esta forma, los bailarines pudieron disfrutar mas que unos pocos segundos de un break! Kool Herc también acuñó los términos "b-boy" y "b-girl" los cuales vienen de "break boys" y "break girls." En una de las fiestas de Kool Herc, el pudo haber avisado a los bailarines justo antes de poner los break beats diciendo, "B-Boys ¿estais preparados?! B-Girls ¿estais preparadas?!" La tensión comenzaba a acumularse y el aire era denso con anticipación. Los b-boys y b-girls sabían que era el momento de "go off!(bailar)"
Algunos de los pimeros bailes hechos por b-boys pioneros se hacían arriba, una forma que posteriormente fue llamada "top rockin'." La estructura y la forma del top rockin' ha infundido formas de baile con influencias desde el Brooklyn uprocking, tap, lindi hop, James Brown's "good foot," salsa, Afro-Cuban y varios bailes africanos y nativo americanos. Hay un paso de top rock Charleston llamado el "Charlie Rock"! Temprenas influencias en el b-boying/girling películas de artes marciales de los años 70. Ciertos movimientos y estilos se desarrollaron desde esta inspiración. Capoeira, una forma de autodefensa disfrazada como un baile, fue introducida en Brasil por los esclavos africanos. Esta forma tiene varios movimientos que son muy similares a ciertos pasos y movimientos b-boy/girl. Al contrario de la popularidad de las películas de artes marciales, la capoeira no fue vista en las fiestas del Bronx hasta los años 90. Top rockin' parece que tuvo un desarrollo gradual e inintencionadamente, dejó espacio para crecer y poner nuevos añadidos, hasta que evolucionó a una forma completa.
Aunque el top rockin' ha desarrollado una estructura identificable, siempre hay espacio para creatividad individual, muchas veces expresada a través de la competitividad natural de la danza. Todo esto se puede trasladar a todas las formas de danza asociadas con el hip hop y el west coast funk; mientras los bailarines representaban las raices de la danza, el resto estuvieron coloreandola con sus propios estilos.
Como resultado de la alta competitividad de estas danzas, no pasó mucho tiempo para que los top rockers extendieran su repertorio al suelo con "footwork" y "freezes." Por ejemplo, un bailarín podría empezar haciendo top rocking entonces ir al suelo, de repente enredarse en sus piernas y entonces hacer un freeze antes de salir. Su oponente tendría que hacer dos veces mas trabajo de suelo o mejor freeze para ganar el duelo. Los movimientos de piernas hechos en el suelo, apoyados con los brazos, fueron eventualmente definidos como "footwork" o "floor rocking." En esta época, se desarrolló un impresionante vocabulario de footwork, movimientos de suelo y freezes, incluyendo los pasos y movimientos mas dinámicos de los bailarines.
El Top rockin' no fue reemplazado por el floor rocking; fue añadido a la danza y ambos fueron puntos clave en la ejecución de ésta. Muchas veces uno podía decir quien tenía estilo y buen hacer solo por su top rockin' antes de bajar al rock de suelo. La transición entre top y floor rockin' fue importante también y llegó a ser conocida como el "drop". Algunos de estos drops fueron llamados: front swipes, back swipes, dips and corkscrews. El mas suave drop, el mejor.
Igual de importante fue la manera que tenían los bailarines de entra y salir de un freeze, demostrando control, poder, precisión, y a veces, humor. Los Freezes fueron usualmente usados para terminar una serie de combinaciones o para mofarse y humillar al oponente. Ciertos freezes fueron también nombrados, los dos más populares fueron el "chair freeze" y el "baby freeze." El chair freeze llegó a ser un movimiento básico para para varios movimientos por el potencial de movimiento que un bailarín tenía en su posición. La mano del bailarín, antebrazo y codo soportaban todo el peso del cuerpo mientras permitiendo una gama libre de movimientos de piernas y cadera. Desde el chair freeze vino el floor trac, back spin con el uso de los brazos, continuous back spin (también conocido como el windmill), y otros movimientos. Estos movimientos impulsaron a la danza a una nueva dirección a principios de los 80, la era de los también llamados "power moves."
Los primeros giros hechos en el b-boying fueron los giros de cabeza de un impulso(tornillos) originariamente conocidos como pencils(lapiceros); giros de mano originariamente conocidos como floats; giros de rodilla; giros de culo. El primer giro con la espalda vino desde un giro de culo. Una vez que el bailarín cogía velocidad podía caer sobre su espalda y girar a un freeze. La siguiente fase del backspin vino desde una posición en cuclillas metiendo el brazo y el hombro bajo el cuerpo sobre el suelo, entonces rodando sobre la espalda y girando. Este giro se desarrolló desde el neck move(un movimiento en el cual el bailarín rodaba de un hombro a otro). Finalmente, el backspin, se desarrolló desde el movimiento básico de un chair freeze.
 Los "Power moves" es un termino debatible preguntandote que movimiento requiere mas poder: footwork y freezes o giros y movimientos gimnasticos. Un punto notable introducido por B-Boy Ken Swift es que los giros cogen fuerza de la velocidad y el equilibrio el cual requiere menos desgaste muscular que los footwork y freezes. Las leyes de la física prueban esto: los giros requieren velocidad y la velocidad crea inercia. La ventaja de los "power moves" es que traen una serie de giros que son centro de atención para los medios y las jovenes generaciones de bailarines. La verdadera esencia de la danza fue lentamente tapada por una avalancha de giros y movimientos acrobáticos los cuales no seguían necesariamente un ritmo. Los pioneros no separaron los "power moves" de el resto de la danza. Fueron bboys que simplemente acentuaron sus espectáculos con increibles movimientos al ritmo de la música.
A finales de los años 60 y principios de los 70, Brooklyn, NY dio nacimiento a ota danza en la cultura Hip-Hop, conocido como "Brooklyn uprocking." Inspirado por similares o los mismos break beats usados por los b-boys/girls, esta danza fue mas de enfrentamiento. Normalmente, dos oponentes se encaraban y se enganchaban en una "danza de guerra" consistente en una serie de pasos, gestos, y el hacer mimica como si llevaras armas y las utilizaras contra el otro. Hubo también las "Apache Lines" donde un grupo se posicionaba en una linea cara a cara con el grupo opponente y se desafiaban simultaneamente. Esta estructura era diferente en comparación con el b-boying/girling en el cual los bailarines en unos b-boy/b-girl battles bailaban por turnos mientras el Brooklyn uprocking era hecho con compañeros. El Brooklyn uprocking era hecho tambien durante la duración entera de la canción. En Brooklyn, los DJs mezclaban los discos y no ponían break beats. Esto permitió a los uprockers reaccionar a la canción entera, respondiendo a la letra, cambios musicales y breaks.
Como los power moves llegaron a ser foco de atención del b-boying/girling, un movimiento particular conocido como "jerking" llegó a ser la mejor jugada del Brooklyn uprocking. El Jerking es un movimiento usado en batallas directas, tipicamente repetido durante el break de el disco. Hoy, el Brooklyn uprocking consiste en su mayoría de jerking; el original ha sido olvidado por las jóvenes generaciones.
 El Brooklyn Uprocking también depende de un rápido ingenio, humor y delicadeza asi los oponentes pueden humillarse unos a otros. Ganar significaba: desplegar los pasos mas rápidos; siendo receptivo a los ritmos y contando los ritmos de la música t del oponente; pillando al contrincante sin guardia con asaltos mimicos, humor, y resistencia. El Brooklyn uprocking consistió de unos movimientos de brazos y piernas veloces, vueltas, saltos, caidas, y parones. Esta danza fue similar al espíritu del b-boying/girling, aunque eran una forma diferente. Algunos pioneros creen que la primera inspiración del top rocking fue el Brooklyn Uprocking. Las dos formas se desarrollaron simultaneamente desde similares inspiraciones aunque guardaron sus propias identidades.
La costa oeste fue enganchada también en un movimiento cultural durante los años 70. Esta escena fue alimentada por el soul, R&B y funk music en las fiestas callejeras y discotecas.
 En Los Angeles, California, Don Campbell, también conocido como Don Cambellock, creó la forma de baile "locking." Tratando de imitar un baile local llamado el "funky chicken," Don Campbell añadió un efecto de cerrado en los empalmes de sus brazos y cuerpo que llegó a ser conocido como su firma. Entonces formó un grupo llamado "The Lockers," que se influenciaron entre ellos en el desarrollo de esta danza. Los pasos y movimientos creados por estos pioneros se les puso nombre y se catalogaron. Algunos de estos incluyen: the lock, points, skeeters, scooby doos, stop n'go, which-away y los fancies. Ciertos miembros de "The Lockers" incorporaron saltos, caidas y otros movimientos aereos reminiscencias de los legendarios Nicholas Brothers. La estructura principal de esta danza combinó agudas extensiones lineales de brazos y piernas y movimientos elásticos.
 El "lock" es un movimiento específico que junta combinaciones de pasos y movimientos similares a un freeze o a una pausa repentina. Las combinaciones pueden consistir en una serie de puntos hechos a través de una extensión de los brazos y apuntando a diferentes direcciones. Los bailarines combinaron patrones de pasos con las piernas y movimientos hechos en varias secuencias. Los Lockers tambien hacían saltos cayendo sobre las rodillas y culo, y usaban patrones que les llevaban al suelo para posteriormente subir a sus pies. Esta danza ganó la mayoría de su fama a través de varias actuaciones televisadas de The Lockers que incluyeron: el "Johnny Carson Show," el "Dick Van Dyke Show," el "Carol Burnett Show" y "Saturday Night Live."
 En 1976, los Electronic Boogaloo Lockers se formaron in Fresno, California, por Sam "Boogaloo Sam" Salomon, Nate "Slide" Johnson y Joe "Slim" Thomas. Desde el inicio del grupo, Sam ha continuado reclutando y ayudando a cada miembro a masterizar su forma individual. Algunas de las primeras influencias de Sam fueron Chubby Checker's "Twist;" un baile de James Brown llamado "el Popcorn;" "el Jerk;" dibujos animados y las idiosincracias de la gente de todos los días. De estas influencias, Sam combinó increibles pasos y movimientos conciviendo una forma de danza que él llamó "Boogaloo." Esta forma incluye angulos agudos aislados, rotaciones de la cadera y el uso de todas las partes del cuerpo. El hermano de Sam, Timothy "Popin' Pete" Salomon, describe el Boogaloo como una danza hecha por el movimiento continuo del cuerpo en diferentes direcciones.
También comparó el cuerpo a un instrumento musical en el que el movimiento eran las notas. Originariamente, el "popping" fue un termino usado para describir una contracción repentina del músculo ejecutada con los triceps, antebrazos, cuello, pecho y piernas. Estas contracciones acentuaron el movimiento de los bailarines causando un veloz, efecto de traqueteo. La creación de Sam, el popping, llegó a ser conocido también con otros nombres no autorizados paa varias formas dentro de la danza, pasado y presente. Algunas de estas formas incluyen: boogaloo, strut, dime stop, wave, tick, twisto-flex y slides. Las transiciones entre pasos, formas, y movimientos eran fluidas, inpredecibles, precisas, y ejecutadas con carácter y delicadeza. Varias de estas formas fueron limpiadas en los espectáculos y a tavés de solos y coreografías de grupo. Eventualmente, el popping también fue falsificado y perdido en su pureza po las jovenes generaciones perdido de su forma original. Los títulos de, "Electric Boogie" y "Boogie" fueron dados, en ignorancia, para la danza, en New York, despues de que los Lockers y Electric Boogaloos actuaran en el programa de televisión, "Soul Train." Inconscientemente a la historia de la danza, los neoyorquinos procuraron llamar a esta danza despues Los Electric Boogaloos (derivado de Los Electronic Boogaloo Lockers).
Bailarines en Los Angeles también distorsionaron el nombre llamandolo "pop-locking," mientras en Francia, fue llamado "The Smurf." Elementos de pantomima se fueron combinando con la danza, diluyendo su forma original. La mímica creó ilusiones del cuerpo sin una estructura rítmica mientras que el popping y el boogaloo crearon un movimiento sincronizado al ritmo. La mayoría del tiempo, esta fusión fue hecha sin éxito. Se dió crédito a otras ciudades en central California por crear formas de danza original también. Cada región fue identificada por su estilo: San Jose fue conocida por los "flying tuts" y "dime stopping;" San Francisco tuvo los "chinese strut;" "Filmore strutting" se originó obviamente en el area de Filmore. Oakland llegó a ser conocido por el "Frankenstein hitting" y el "snake hitting." East Palo Alto fue conocido también por el "snake hitting." "Roboting" y "bopping" se hicieron conocidos en Richmond. Sacramento tuvo su propia danza llamada "Oak Parking," "Bustin'," y "Sac"-ing (pronunciado 'sacking'). Dime stopping, strutting y hitting todo popping y tiene sus propias historias dentro de el movimiento funk de la costa oeste. En resumen, todos estos estilos de baile han contribuido a la evolución de fenomenales formas de expresión!
Una conexión entre los movimientos de la costa este y oeste son ciertos discos con los cuales bailan los b-boys/girls, Brooklyn uprockers, y lockers. Un ejemplo es "Scorpio" de Dennis Coffey y el Detroit Guitar Band. Para la mayor parte, cada forma de baile tuvo una influencia musical, código de vestir y terminología diferentes(todos ellos fueron mal unidos y falsificados durante la cobertura de los medios de los años 80 a estas formas de baile).
Como relativas nuevas formas de baile, el b-boying/girling, el Brooklyn uprocking, el locking y el popping son raramente vistas en un entorno teatral. Usualmente son mostrados en videos musicales, anuncios comerciales o películas por solo unos pocos segundos revelando muy poco su verdadero potencial. En muchos casos, la filmación de estas danzas ha sido pobre donde solamente una parte del cuerpo es enfocado, quitando el impacto total de los pasos, movimientos, e ilusiones. La edición de la grabación de estas danzas tambien priva a la audiencia de tansiciones y composición, porque los editores no están familiarizados con las estructuras de estas formas de baile. Una consulta apropiada con los bailarines acerca de la filmación y edición puede remediar este recurrente problema. Otro desafio provocado por la comercialización de estas formas de baile es la perdida de la actuación espontanea. En un corro, un espacio de danza circular donde estas formas de danza suelen empezar, los bailarines pueden direccionar su actuación en varias direcciones, deshinibiendose y liberandose de cuentas y señales. Esta libertad es la clave de la creatividad asi el bailarín está contínuamente desafiandose a variaciones en la música, un espacio de baile indefinido y potenciales oponentes entre el público. La transición del corro a la escena ha tenido efectos en los bailarines y su arte. Lo que una vez fueron formas improvisadas de expresión con vocabulario espontaneo llegó a ser coreografía en un escenario. Una actuación en un escenario crea límites y puede restringir el flujo libre del proceso de improvisación. Los bailarines son desafiados de una manera diferente. Señales marcadas y coreografías se convierten en el objetivo. Otra diferencia muy notable entre las formas de danza originales y sus versiones en el escenario es el posicionamiento de la audiencia, en la mayoría de los teatros tradicionales tienen al público de cara al escenario en una dirección. Teniendo que entretener a un público en una localización general requiere al bailarín o coreógrafo pensar el espectáculo para una mejor visualización del público. Para preservar la verdadera esencia y la dinámica de estas formas de baile, deberían existir como una realidad social y cultural celebrados en sus entornos naturales como por ejemplo: jams, eventos, clubs, etc. Las filmaciones teatrales y las producciones de video pueden ser usadas como vehículos para su preservación mientras la forma no se vea comprometida y diluida en el proceso. La misma preocupación se aplica a las lineas de la historia y a las escrituras pertenecientes a las formas de danza y la historia. La mezcla de popping, locking, b-boying/girling, y Brooklyn uprocking destruye sus estructuras individuales. Desafortunadamente las nuevas generaciones de bailarines no han hecho suficiente esfuerzo para aprender cada forma de danza apropiadamente, o carece de recursos para hacerlo. Sin embargo el resultado es el mismo: danzas híbridas con formas y estructuras confusas.
Además, cada una de las formas de baile se representan mejor con sus apropiadas influencias musicales. Entremezclando formas de baile y sus formas de música disuelve sus estructuras y por último destruye sus identidades. Bailar al ritmo es lo mas importante. Llevar el ritmo marca la diferencia entre baile y movimiento sin estructura. La fórmula es simple, sumisión a la música permitiendola dirijir y bailar en la misma dirección.
Finalmente, la mejor manera de preservar las danzas es aprender de los mas tempranos recursos disponibles o como practicante devoto de el baile. Los pioneros de estas formas de baile guardan la llave de la historia e intenciones del movimiento. Ellos permanecen como las máximas autoridades cueste lo que cueste sobre otras opiniones.
El desenredar la historia del locking, popping, b-boying/girling y Brooklyn uprocking nos lleva hacia un entendimiento verdadero de su esencia y significado en el mundo de hoy en día. Muchos otros géneros de danza fueron prestados sin dar el crédito a sus propietarios por derecho.
Afortunádamente, veremos el día cuando estas danzas sean distinguidas cláramente y se le haya dado el debido respeto. Muy a menudo, el mundo de la danza introduce innovaciones que revolucionan el arte. En resumen, los movimientos del hip-hop y del west coast funk han tenido éxito llenando el mundo con nuevas formas de baile excitantes que entretienen y cambian las vidas de mucha gente alrededor del mundo.
Para mas información contacta con Fabel en toolsofwar@aol.com
Artículo original en http://www.rockhall.com/exhibitions/past.asp?id=496
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